Cannes empfängt Steven Spielberg

Wenn jemand wie Steven Spielberg nach Cannes kommt, dann geraten selbst die Kinokapazitäten von Cannes an ihre Grenzen. Vor einem randvollen „Grand Theatre Lumière“ mit mehr als 2500 Gästen wurde Spielbergs Roald-Dahl-Verfilmung „The BFG“ (deutscher Romantitel: „Sophiechen und der Riese“) gezeigt. Der Film erzählt die Geschichte eines Waisenmädchens (Ruby Barnhill), das von einem Riesen (via Motion-Capture zum Leben erweckt durch die Bewegungen und Mimik von Mark Rylance) entführt wird, der gar nicht so gemein ist wie angenommen, sondern sich als „The Big Friendly Giant“, kurz BFG entpuppt. Er pustet den schlafenden Menschen schöne Träume in ihre Zimmer, ist aber nicht der einzige im Riesenland: Dort gibt es auch etliche üble Gestalten.

Steven Spielberg in Cannes (Foto: Katharina Sartena)

Ein Fantasy-Film, der dem erfolgsverwöhnten Spielberg scheinbar nicht so leicht von der Hand ging, dafür ist er zu seelenlos umgesetzt und auch an der Technik hapert es: Eine reale Menschenfigur in den Händen eines gigantischen Riesen, das wirkt selbst anno 2016 und aus Disneys Schmiede noch immer ein bisschen so linkisch wie dereinst bei „King Kong“ aus den 1930ern.

Mark Rylance (Foto: Katharina Sartena)

Dass sich Spielberg der Verfilmung annahm, ist naheliegend: Die Story birgt Ähnlichkeiten zu Spielbergs Klassiker „E.T“ (1982), und Dahls Buch erschien im selben Jahr wie „E.T“. Beide Drehbücher stammen von der 2015 verstorbenen Melissa Mathison.

„Ich war selbst der BFG, als ich das Buch einst meinen sieben Kindern vorgelesen habe“, lacht Steven Spielberg. „Wenn ich einen solchen Film vorbereite, dann denke ich dabei überhaupt nicht an kommerzielle Aspekte. Die Filmarbeit ist eine harte, fordernde Tätigkeit, die ich bis zum Ende meines Lebens ausüben werde. Kommerz interessiert mich nicht, ich bin immer nur auf der Suche nach guten Geschichten“. Bei einem Regisseur wie Spielberg, dem Hollywood einträgliche Blockbuster wie „Indiana Jones“ oder „Jurassic Park“ zu verdanken hat, mag es verwunderlich klingen, dass ausgerechnet er sich ums Einspielergebnis keine Gedanken macht. Andererseits arbeitet Spielberg seit Jahren kontinuierlich auch an seiner „ernsten“ Filmografie, mit Filmen von „Amistad“ über „Lincoln“ bis hin zu seinem letzten Film „Bridge of Spies“, für den BFG-Darsteller Mark Rylance heuer mit einem Oscar geadelt wurde.

„Mein großer Traum ist es, dass jeder meiner Filme in allen Ländern der Welt eine Bedeutung hat. Ich glaube, jeder Film ist solange ein Waisenkind, bis ihn jemand adoptiert“. Dass Spielberg mit „The BFG“ an die Fantasy-Filme seiner frühen Karriere anknüpft, hat für ihn auch einen bestimmten Grund: „Ich finde, je schlimmer die Welt wird, desto mehr sollten wir uns der Magie von Geschichten verschreiben, die unsere Phantasie bereichern. Nur so können wir diese Dinge überwinden“.

Matthias Greuling, Cannes

Cannes hat einen Favoriten: "Toni Erdmann"

Sie wären die vielleicht sicherste Wette auf den Preis für die besten Darsteller - wäre dieser Film nicht in Cannes, sondern bei der Berlinale gelaufen. Sandra Hüller und Peter Simonischek spielen in „Toni Erdmann“ von Regisseurin Maren Ade ein Gespann aus Vater und Tochter, das man mit den Begriffen Verve und Nonchalance noch immer nicht ausreichend charakterisiert hätte. Die beiden geben in 162 Minuten Film eine ganz und gar finessenreiche, hintergründige Performance. 

Das Team von "Toni Erdmann" (Foto: Katharina Sartena)

Es geht um Lebensglück und darum, im Korsett scheinbarer Verpflichtungen der Arbeitswelt festzustecken, bis einem die Luft wegbleibt. Ines (Hüller) ist Mitarbeiterin bei einer Unternehmensberatung in Rumänien, wo man den Kunden die unangenehmen Arbeiten abnimmt: Sollen 200 Stellen gestrichen werden, so spricht man von „Outsourcing“, und diesen Job müssen Ines und ihr Team erledigen. Kündigungen überlassen große Firmen nämlich heutzutage grundsätzlich den anderen. Und Ines ist in dieser Position zwar Profi, aber alles andere als glücklich. Das merkt auch ihr Vater Winfried (Simonischek), ein Spaßvogel der alten Schule, der einem gern ein Furzkissen unters Gesäß legt. Winfried besucht seine Tochter in Bukarest und sieht dort zu, wie sie unter dem Stress ihrer Arbeit leidet. Bald schon tritt er mit Perücke und falschen Zähnen als Geschäftsmann Toni Erdmann auf und mischt sich so ins Leben seiner Tochter, die davon alles andere als begeistert scheint. Doch auch ihr dämmert schnell, dass ihr derzeitiges Dasein keine Zukunft hat. 

Mit „Toni Erdmann“ hat - nach langen Jahren der Absenz - wieder einmal ein deutscher Film den Weg ins Wettbewerbsprogramm von Cannes gefunden. Maren Ade, in Berlin 2009 für „Alle anderen“ prämiert, zeigt in ihrem dritten Spielfilm, welch famose Beobachterin sie ist: Ihr Film funktioniert als Drama genauso wie als Komödie, hat eine freche, fast frivole Seite im Umgang mit Konventionen. Bei der Pressevorführung in Cannes gab es mehrmals frenetischen Szenenapplaus, vor allem für Hüllers angstfreie darstellerische Leistung. Ades Komödie ist der vielleicht stimmigste und sympathischste deutsche Film des Jahres, über den man wirklich herzlich lachen kann, der einen aber auch zu Tränen rührt. Skurrile Wendungen geben „Toni Erdmann“ schließlich den letzten Schliff; sie werden durch Szenen ausgedrückt, in denen Ines, von ihrem Vater als dessen Sekretärin Miss Schnuck ausgegeben, sich stimmgewaltig in einem Whitney-Houston-Klassiker verliert oder auf ihrer eigenen Geburtstagsparty splitternackt erscheint. Das macht wirklich großen Spaß. 

„Im Film fällt einmal der Satz: ‚Familie ist so kompliziert’. Das war wie ein Ausgangspunkt für mich, und auch die Frage, wie man sich davon loslösen kann“, sagte Regisseurin Maren Ade in Cannes. Ob es Absicht wäre, dass sie sich eine junge Frau als Protagonistin auserwählt hat, die es schon durch ihr Geschlecht schwerer in der Business-Welt hat? „Ich stecke schon tief in der Gender-Debatte, denn jeder fragt mich danach. Meine Hauptfigur ist eine Frau, die sich in einer Männerwelt durchsetzen muss. Mir geht es ja ähnlich im Filmbereich“, meint Ade, die aber festhält: „Wenn ich einen James-Bond-Film anschaue, dann bin ich der James Bond und nicht das Bond-Girl. Insofern hat es keine wirkliche Bedeutung, dass die Hauptfigur eine Frau ist. Dahinter gibt es keine grundsätzlich feministische Ansage“.

Bei den Dreharbeiten hat sich Ade betont zurückgehalten, was die Anweisungen an ihre Schauspieler angeht. „Deshalb ist der Film auch sehr authentisch geworden, finde ich“. 

„Blicke und Vorgänge zwischen mit und Peter Simonischek haben damit zu tun, dass wir uns tierisch auf den Nerv gegangen sind. Es gab einen langen Probenprozess, der das Gefühl für die Figuren anreichert. Man redet dabei nicht über die Geschichte oder das Ergebnis. Diese Arbeit ist nicht ergebnisorientiert“, erklärt Sandra Hüller. 

Für Peter Simonischek eine ungewohnte Art zu arbeiten: „Ich habe viele Komödien am Theater gespielt. Aber das ist eine ganz andere Form der Komödie, so etwas war für mich etwas völlig Neues. Ich habe diese Komödie erst verstanden, als ich sie vor einer Woche gesehen habe. Maren ließ sich nie anmerken, ob wir etwas gut oder schlecht gespielt haben, das hat die Spannung aufrecht erhalten - und wenn das über Monate so geht, ist das natürlich anstrengend. Denn man geht am Abend nach Hause und hat fast Gefühl, nie etwas gut gemacht zu haben. Aber es hat sich ausgezahlt, wie man gesehen hat“.

Der Lohn war ein volles Premierenhaus in Cannes mitsamt großem Beifall. All das bedingt durch die sensible Regie einer Frau, der es darum ging, „den Moment der Wahrhaftigkeit einzufangen“, sagt Ade.

Momente also. Am Ende von „Toni Erdmann“ soll ein Fotoapparat einen solchen lebenswerten Moment festhalten. Aber es dauert zulange, und der Moment zieht fort. Was bleibt von diesem Film, ist die Erkenntnis: Vom Glück existieren keine Fotos. 

Matthias Greuling, Cannes

Cannes 2016: Starker Auftakt

In Cannes waren in den ersten Festivaltagen schon einige interessante Arbeiten zu sehen. Das Festival, dessen künstlerischer Leiter Thierry Frémaux dieses Jahr eine Mélange aus traditionellen Cannes-Routiniers und einigen neuen Namen serviert, hat gleich von Beginn an volle Fahrt aufgenommen. Einerseits mit überlebensgroßen Superstars aus Hollywood: Von Woody Allen über Kristen Stewart und Blake Lively, die zum Eröffnungsfilm „Café Society“ kamen, bis zu George Clooney, Julia Roberts und Jodie Foster, die deren Regiearbeit „Money Monster“ außer Konkurrenz vorstellten, reichte das Spektrum der großen Namen. Samstag Abend, wenn ganz Europa den Song Contest schaut, kommt dann Steven Spielberg auf den roten Teppich und zeigt seine drollige Roald-Dahl-Kinderbuchverfilmung „The BFG“. Cannes gönnt sich auch während anderer zeitgleicher Großevents eben keine Pause.

"Sieranevada" (Foto: Festival de Cannes)

Im Wettbewerb sollten hingegen abseits der Glamour-Filme per definitionem die wahren Kunstwerke zu finden sein. Und dieses Jahr hat es schon zum Auftakt überaus starke Filme gegeben: „Sieranevada“ des Rumänen Cristi Puiu begibt sich nach „The Death of Mr. Lazarescu“ und „Aurora“ zum dritten Mal an die Stadtränder Bukarests, wo er in knapp drei Filmstunden und in gemächlicher Schnittfolge von einer Familie und Freunden erzählt, die sich in einem Apartment treffen, um dort das Andenken an das kürzlich verstorbene Familienoberhaupt hochzuhalten. Kein Plot, der als Crowd-Pleaser funktioniert, sondern den Zuschauer fordert; aber ein Plot, der von der ersten Einstellung an eine Sogwirkung von ganz seltsamer Kraft entfaltet, die sich nach und nach steigert. Es ist die Faszination am Alltäglichen, die „Sieranevada“ so kraftvoll macht und ihn für einen der Hauptpreise qualifizieren würde - vielleicht sogar auch für die Goldene Palme. 

Der Franzose Alain Giraudie hat sich mit „Rester vertical“ auf einen exzentrischen Trip durch das Leben eines Filmregisseurs begeben, der auf der Suche nach einem geeigneten Drehbuch mit einer Fülle von Problemen zu kämpfen hat. Filme übers Filmemachen sind schon legendären Regisseuren entglitten, und Guiraudie schlittert hier haarscharf an einer Karambolage vorbei, so „over the top“, düster und voller skurriler Momente ist dieser Film. Es scheint, als habe Guiraudie hier phasenweise mit Gewalt nach der exzeptionellsten Optik für seine Szenensammlung gesucht.

Stilistisch mehr aus einem Guss wirkt dagegen Bruno Dumonts Reise in den Norden Frankreichs. In „Ma Loute“ begegnen sich die skurril-verschrobenen Figuren einer bourgeoisen Familie, die Urlaub in ihrem Anwesen an der Küste bei Calais macht und eine nicht minder schräge Familie von einheimischen Muschelfischern, die dann und wann Touristen meucheln und im rohen Zustand verspeisen. Ein schwer übergewichtiger Inspektor ermittelt im Fall der Verschwundenen, und sorgt mit seinem vollen Körpereinsatz für launige Szenen. 

Dumonts Filme sind immer gewagte Experimente, von „L’humanité“ (1999) über „Flandres“ (2006) bis hin zu „Camille Claudel 1915“ (2013). Gewaltdarstellung und Sexualität sind zentrale Elemente, und „Ma Loute“ gilt nun als die visuelle und auch inhaltliche Fortführung seiner Miniserie „P’tit Quinquin“ (2014). Das Eintauchen der zugespitzt entworfenen Figuren in die von Dumont geschaffenen Pseudo-Milieus glückt herausragend: Bei einem erstklassigen Cast wie Juliette Binoche, Valeria Bruni-Tedeschi, Fabrice Luchini und Brandon Lavieville eigentlich kein Wunder - und ein Mordsspaß. 

Matthias Greuling

George Clooney und Julia Roberts adeln Cannes

Der Thriller „Money Monster“ brachte eine wahre Invasion von Stars nach Cannes. George Clooney und Jodie Foster verhalfen Julia Roberts zu ihrem Debüt am roten Teppich der Croisette.

Foto: Katharina Sartena

George Clooney als Finanzguru in Lebensgefahr: „Ein Film mit vielen Schichten, die man freilegen kann, und das alles auf Basis einer Drei-Personen-Konstellation“, sagt Regisseurin Jodie Foster. Sie stellte beim Filmfestival von Cannes am Donnerstag ihre vierte Regiearbeit „Money Monster“ vor, in der Clooney als New Yorker TV-Moderator Lee Gates vor laufender Kamera gekidnappt wird. Und zwar von einem Familienvater (Jack O’Donnell), der auf einen der Anlage-Tipps des TV-Finanzberaters gehört hat - und verlor. Ein Racheakt im Live-Fernsehen, im Regieraum mit großer Nervosität verfolgt von der Produzentin der Show, Patty Fenn, gespielt von Julia Roberts. Der Film, der am 26. Mai regulär in den heimischen Kinos anläuft, erzählt dieses Kidnapping in Echtzeit. Hochspannung ist garantiert, denn Jodie Foster beherrscht auch hinter der Kamera ihr Handwerk. Der Thriller, der in Cannes außer Konkurrenz gezeigt wurde, ist zumindest nach Hollywood-Maßstäben durchaus innovativ und plottechnisch „wendig“ - vor allem in Bezug auf die Finanzwelt und deren dunkle Machenschaften. „Es ist ein typischer Studio-Film, realisiert zu einem moderaten Budget. Ich glaube, die Leute wollen Filme, die sie zum Nachdenken anregen. ‚Money Monster‘ ist ein Beweis dafür, dass man solche engagierten Filme auch heute noch drehen kann, und zwar unter der Ägide eines großen Studios“, sagt Foster. 

Es gibt im Film aber auch launige Momente, etwa eine Tanzeinlage von Mr. Clooney, der sich selbst als den „schlechtesten Tänzer der Welt“ bezeichnet. Weil seine Figur Lee Gates aber seine Finanzinhalte mit Show-Elementen verknüpft, musste der Tanz stattfinden: „Als Jodie mir das Script zeigte, dachte ich, wir drehen ein Musical“, sagte Clooney in Cannes. „Alle am Set haben sich lustig über mich gemacht, als sie die Dreharbeiten dieser Szenen verfolgten“.

Aber weil Clooney ein Profi ist, ließ er sich zu diesen dramaturgisch notwendigen Einlagen überreden. Jodie Foster: „Ich kann als Regisseurin gar nicht dankbar genug sein, mit jemandem zu arbeiten, der ebenfalls ein großartiger Regisseur ist“, spielt sie auf Clooneys eigene Arbeiten an. „Das gute ist: Sobald du vor der Kamera Erfahrung hast, tust du dir auch hinter der Kamera leichter, die Schauspieler zu führen“, meint Clooney. „Jodie weiß, wie man mit Schauspielern sprechen muss. Sie bringt sie sogar zum Tanzen“, lacht er.

Julia Roberts, im Film als TV-Produzentin zu sehen, hat sich für den Part gut vorbereitet: „Das Drehbuch las sich sehr aufregend“, sagt sie. „Ich habe in den Regieräumen von Fernsehstationen recherchiert, wie die Senderkommunikation funktioniert. Und wie sehr man bei Live-Sendungen unter Druck steht. Diese Leute leisten wirklich harte Arbeit“.

Für Roberts brachte die „Money Monster“-Premiere in 48 Lebensjahren übrigens die allererste Reise nach Cannes: „Es ist ein total verrücktes Festival, die Leute hier lieben Filme“. Diese weise Erkenntnis hat ihr Jodie Foster schon voraus, wenngleich ihr erster Besuch auch schon eine Ewigkeit zurückliegt. „Ich war das erste Mal in Cannes mit der Premiere von ‚Taxi Driver‘. Damals war ich 12“, sagt die heute 53-Jährige. „Damals war das Festival noch viel chaotischer als heute. Und es war der Beginn meiner Schauspiel-Karriere“.

Der erfolgte bei Roberts erst gut 13 Jahre später, als sie 1989 mit „Pretty Woman“ berühmt wurde. Schon damals gab es eine kurze Überschneidung von Fosters und Roberts’ Karriere: Foster hätte seinerzeit beim Casting um ein Haar den Part der Pretty Woman bekommen… Die jüngere US-Filmgeschichte wäre dann mit Sicherheit anders verlaufen.

Matthias Greuling, Cannes

Woody Allen und "Café Society" eröffnen Cannes 69

Die Angst vorm Sterben treibt alle um. In Cannes gelten in diesem Jahr die schärfsten Sicherheitsvorkehrungen aller Zeiten. 500 Polizisten mehr, permanente Militärpräsenz mit schwerer Bewaffnung, langwierige Taschenkontrollen beim Einlass ins Palais des Festivals - all das, weil in Frankreich seit den Terroranschlägen vom November noch immer der Ausnahmezustand gilt. Man fürchtet Anschläge, will vorbereitet sein.

Foto: Katharina Sartena

Auch das Filmprogramm ist nicht frei von Todesängsten. Woody Allen serviert Prophezeiungen in seinem neuen Film „Café Society“: „Ich wette, dass wir alle sterben werden, und eines Tages werde ich diese Wette gewinnen“, heißt es da an einer Stelle.

Doch „Café Society“ ist keineswegs ein deprimierendes Stück Kino, sondern - wie gewohnt von Allen - eine leicht-lockere Komödie über das Leben und die Liebe, mit einer Dosis verschrobenem jüdischen Humor (also nicht ohne Tiefgang), diesmal vor dem Hintergrund des glamourösen, stets in sonnenwarmes Licht getauchten Hollywood der 1930er Jahre. Es geht um einen mächtigen Agenten (Steve Carrell), der mit Studiogrößen wie William Fox oder Louis B. Mayer luncht oder diniert - und dessen Neffe (Jesse Eisenberg) vom Land einen Job bei ihm in L.A. sucht. Zugleich hat der Hollywood-Haudegen ein privates Problem: Er hat eine Ehefrau und eine Geliebte. Der Neffe wiederum macht einer jungen Dame (Kristen Stewart) den Hof, die in Hollywood von der großen Karriere träumt. Die Handlung verwickelt bald alle Beteiligten in eine verzwickte Situation.

„Café Society“ ist nicht Allens größter Wurf, aber eine glorreiche Hommage an die goldenen Zeiten Hollywoods ist er allemal - und dank seines hervorragenden Cast sind auch die von Allen weniger gelungen ausformulierten Szenen geglückt. Der Film ist wie gemacht für die Eröffnung (außer Konkurrenz) eines Filmfestivals wie jenes von Cannes. Denn es schreibt sich selbst auf die Fahnen der Tradition zu frönen, bringt seit Jahren auf den offiziellen Festivalplakaten Motive großer Diven und Schauspieler von einst oder wie in diesem Jahr eine Szene aus Godards Klassiker „Le mépris“. Wo also sonst ließe sich „good old Hollywood“ besser zelebrieren als an diesem Ort, der für das konservative Kino manchmal mehr übrig zu haben scheint als für das zeitgenössische.

Allen selbst ist mit seinen 80 Jahren nach 47 Filmen und 12 Cannes-Teilnahmen längst selbst Teil des Mythos Hollywood, auch, wenn er eigentlich mit Leib und Seele New Yorker geblieben ist. „Ich hatte allerdings nie etwas gegen Los Angeles und Hollywood“, sagte er in Cannes. „Es ist nur leider kein Ort, an dem ich leben könnte, weil es dort nur Sonnentage gibt und man für alles ein Auto braucht. Aber in New York, da gehe ich aus meinem Apartment und bin gleich mitten im Geschehen. Und es regnet hier sogar und schneit“. 

Eine Aussage, die typisch ist für Allen, den Misanthropen, dessen Filme immer auch mit der Endlichkeit kokettieren, nie aber tatsächlich in eine Moll-Tonart kippen. „Das ist vielleicht die Lösung“, sagt Allen, „wie wir mit der eigenen Sterblichkeit umgehen sollten. Wir sollten sie so weit wie möglich von uns wegschieben und verdrängen. Stattdessen sollten wir uns darauf konzentrieren, eine tolle Szene mit Kristen Stewart und Jesse Eisenberg zu filmen, auf die wir am Ende des Tages stolz sein können“. 

Thema in Cannes war aber nicht nur Allens fortgeschrittenes Alter, sondern auch die Tatsache, dass er mit „Café Society“ erstmals „Amazon Studios“ als Produktionsfirma an Bord hat, die 15 Millionen Dollar Budget bereitstellte, nachdem er die letzten sechs Filme bei Sony Pictures Classics realisierte. „Amazon Studios“ ist ein neuer Player am Markt, das Versandhaus will vermehrt in Content investieren. Weshalb Allen auch gleich eine ganze Webserie für den Online-Händler umgesetzt hat, in der Allen neben Elaine May und Miley Cyrus auch selbst mitwirkt. Was er dazu schon verraten kann? „Der Schnitt ist fertig, das ganze sind sechs halbstündige Episoden, die Serie ist eine abgeschlossene Geschichte und einen Titel habe ich noch keinen“. Wird es weitere Online-Projekte geben? „Ich glaube nicht“, sagt Allen. Verständlich, denn: „Ich habe nicht einmal einen Computer. Und ich habe mein Leben lang noch nie eine E-Mail verschickt“. Der Faible für die gute, alte Zeit, den Allen in vielen seiner Filme zur Schau stellt, braucht kein neumodisches Schnickschnack. Dazu genügen ein paar von Allens alten Jazz-Platten, die auf dem Soundtrack knarzen.

Matthias Greuling, Cannes

Crossing Europe: Preise für "Babai", "Baden Baden" und "Rio Corgo"

Die 13. Festivalausgabe von Crossing Europe endet heute, Montag, die insgesamt mit 28.500 Euro dotierten Preise wurden aber schon am Sonntagabend im Ursulinensaal des oberösterreichischen Kulturquartiers, der Heimstätte des Festivals, vergeben. "Wer hier in Linz erstklassiges europäisches Kino sehen will, kommt an dieser Filmschau nicht vorbei", ist sich ein Besucher sicher, der von einer "Durchmischung" des Publikums spricht: "Hier sind nicht nur Leute vom Film, sondern auch ganz normale Kinogeher wie ich. Das Festival ist deshalb so populär, weil es sich eben nicht elitär gibt." Und das ist bei weitem keine Einzelmeinung.

"Babai" von Visar Morina

Mitunter zeigt das von Christine Dollhofer seit der Gründung geleitete Filmfestival Crossing Europe recht sprödes Kino, immer aber auch Entdeckungen aus den hintersten Winkeln der Gesellschaft. Das spiegelt sich auch bei den prämierten Filmen: Der Preis für den besten Spielfilm wurde in diesem Jahr geteilt und ging ex aequo an den Kosovaren Visar Morina für dessen Drama "Babai" sowie an die Französin Rachel Lang für "Baden Baden". In "Babai" ("Vater") erzählt Morina in überaus nüchternen Bildern von der Lebenswelt von Nori, eines zehnjährigen Buben im Kosovo vor dem Krieg: Zu Beginn der 1990er Jahre ist das Leben hier nicht gerade rosig, Nori und sein Vater Gezim schlagen sich mit dem Verkauf von Zigaretten durch. Der Verbleib der Mutter ist ein Geheimnis, das der Vater für sich behält. Nach einem Unfall erwacht Nori im Spital, sein Vater hingegen hat sich nach Deutschland abgesetzt. Unter widrigsten Umständen folgt ihm Nori. Es ist die Geschichte einer Flucht und eines Flüchtlings, hochaktuell und doch aus einer anderen Zeit. Regisseur Morina lässt sich in seinem Debütfilm viel Zeit, den hochdramatischen Ereignissen seines Plots mit größter dramaturgischer Ruhe zu begegnen. Die Jury lobte besonders, dass "Babai" von Gefühlen erzählt, ohne dabei in Sentimentalität zu verfallen.

In "Baden Baden" bricht die 26-jährige Ana ihre Zelte bei einer belgischen Filmproduktion ab und zieht zurück in ihre Heimat Straßburg, wo sie dem Trubel eines für sie falschen Lebensweges entkommen will. Sie verordnet sich neue Aufgaben, wie etwa die Renovierung des Badezimmers ihrer Großmutter. Die junge Frau steckt mitten in einem Selbstfindungsprozess, der dem Film auch Momente (schwarzen) Humors verschafft; Regisseurin Rachel Lang pendelt gekonnt zwischen experimentellem Erzählen und emotionalem Drama, am "Grenzbereich zwischen persönlicher Tragödie und Komödie", so die Jury.

Als besten Dokumentarfilm zeichnete man in Linz die schweizerisch-portugiesische Produktion "Rio Corgo" von Maya Kosa und Sergio da Costa aus. Die beiden folgen darin dem Lebenskünstler und ewigen Herumtreiber Silva, der sich als Clown ebenso durchgeschlagen hat wie als Maurer oder Regenschirm-Reparateur. In einem kleinen portugiesischen Städtchen scheint er das Ziel seiner langen Reise gefunden zu haben. Kosa und da Costa zelebrieren ihr Porträt als langsam getaktetes Abbild vom ruhigen Fluss des Lebens.

Matthias Greuling

(Dieser Beitrag ist auch in der Wiener Zeitung erschienen)

Bolzano Filmfestival Bozen: 30 Jahre und alles auf Anfang

In Bozen feiert das lokale Filmfestival seinen 30er. Alles soll neu werden, dabei aber auch traditions- und selbstbewusst bleiben - wie für Südtirol typisch.

Von Matthias Greuling aus Bozen

Wer über den Walther-Platz und durch die umliegenden Gässchen der Bozener Altstadt schlendert, muss nach wenigen Minuten den Eindruck gewinnen, die Südtiroler befänden sich tatsächlich in einer einzigartigen und großartigen Lage: Eine Alpenfestung und liebreizende Stadt wie bei vergleichbaren Orten in der Schweiz, gesegnet mit den Vorteilen der Tiroler und der italienischen Kultur gleichermaßen: Hier gibt es italienische Mode, österreichisches Alpen-Flair und einen Hauch Wiener Kaffeehaustradition. Das erste Kaffee am Platz hat über 70 Tageszeitungen - davon kann man sogar in Wien nur träumen. Aber - das muss gesagt sein - hier generiert sich die große Auswahl halt aus dem Mix der Sprachen. Auch kulinarisch setzt sich diese Mischung fort: Ein Speckgröstl schmeckt hier mindestens genauso gut wie ein Ossobuco alla milanese.

Inmitten dieses vielfältigen Alpenidylls im autonomen Südtiroler Gebiet hat sich das Filmfestival Bozen ebenso der Abbildung der Vielfalt verschrieben - und zwar aus dem deutschsprachigen Raum ebenso wie aus Italien. Filmkultur kennt keine Grenzen, dieses Motto lebt man in Bozen.

Festivalchefin Helene Christanell (Foto: K. Sartena)

Die langjährige Leiterin der Filmschau, Helene Christanell, gab zum 30. Geburtstag der bisher als „Filmtage Bozen“ bekannten Schau die Devise aus: „Neuer Name, neues Erscheinungsbild, neue Programmpunkte, mehr Spielstätten“. Das Festival, 1987 vom umtriebigen Filmclub-Bozen-Mitbegründer Martin Kaufmann erfunden, steht bis heute in seiner künstlerischen Verantwortung. Kaufmann hat in seiner Eigenschaft als Filmtage-Erfinder vor allem mit vielen anderen kleinen Filmfestivals kooperiert; man hat sich gegenseitig geholfen über die Jahrzehnte, und heute ist man auch deshalb verdient zu einer Institution geworden. Es geht alles leger zu hier, es braucht keine roten Teppiche und keine Champagner-Empfänge, denn der Südtiroler Wein ist ohnehin eine Klasse für sich. Der ORF berichtet in seiner Südtirol-Heute-Sendung über das Event, ebenso wie lokale italienische Sender. Zur Eröffnung im Capitol Kino gibt es für die Premierengäste Brot und kalte Platte. Das ist bewusst rustikal, gebirgig. Anderswo, sagte Kaufmann in einem Interview, gäbe es „Kaviarbrötchen und was weiß ich alles, bei uns gibt es eben Speck und Schüttelbrot“.

Neuer Name: Früher hieß die Veranstaltung "Bozener Filmtage"

Das Programm der beiden Wettbewerbe (Spiel- und Dokumentarfilm) war eine Mischung aus Festival-Highlights wie „Bella e perduta“ von Pietro Marcello, „Nichts passiert“ mit Devid Striesow oder „Thank You for Bombing“ der österreichischen Regisseurin Barbara Eder, die damit bei der Diagonale Premiere feierte, sowie aus neuen, noch kaum bekannten Filmen wie die deutschen Produktionen „Agnes“ von Johannes Schmid oder „Herbert“ von Thomas Stuber, der am Ende den Spielfilmpreis gewann. Bei den Dokus stand unter anderem „Lampedusa im Winter“ des Wieners Jakob Brossmann auf dem Spielplan (ausgezeichnet als beste Doku), oder auch die Doku „To Make a Comedy is No Fun“ von Robert Kolinsky, der sich darin mit Leben und Werk des tschechischen Oscar-Preisträgers Jiri Menzel auseinandersetzt. Der 77-jährige Menzel war so etwas wie der Star-Gast des Festivals, wo er, der einst von der Filmschule als talentlos abgewiesene Filmemacher, in kleinem Rahmen Anekdoten über das Filmemachen zwischen Oscar und Eisernem Vorhang ausplauderte.

Jiri Menzel (Foto: K. Sartena)

Das Schaufenster, das das Filmfestival Bozen bietet, eröffnet nebenbei auch einen Blick auf die überaus umtriebige regionale Südtiroler Filmförderung, oder besser: Auf all das, was hier auf relativ kleinem Raum für das Filmschaffen getan wird: Neben der Programmreihe „Filme aus Südtirol“, in der sechs aktuelle Produktionen gezeigt werden, bekommt auch die in Bozen ansässige Dokumentarfilmschule ZeLIG breiten Raum im Festivalprogramm. Die Region gerade durch die Betonung ihrer Eigenständigkeit zu stärken, das ist ein Qualitätssiegel für Südtirol geworden. Ein solches Vorgehen könnte durchaus Modellcharakter für andere kleine Märkte haben.

Infos und Preisträger: http://filmfestival.bz.it